Grafica in mostra #1
Perché?
Se la comunicazione visiva esiste precisamente per essere esposta, o esiste proprio in quanto esposta, per comunicare e dare forma alla nostra vita quotidiana, l’idea di mettere la grafica in mostra – in un museo, in una galleria – può sembrare paradossale. Tanto più se si considera che il graphic design stesso è già presente in varie forme negli spazi e presso le istituzioni dedicati all’esporre – dall’immagine coordinata del museo alla segnaletica, dalle brochure fino ai cataloghi in vendita nei bookshop.
Perché dunque portare il graphic design come oggetto/soggetto in mostra?
Generalmente esporre un prodotto al di fuori del contesto per il quale è stato ideato e realizzato viene considerato rischioso, per la riduzione e la sottrazione di senso che la de-contestualizzazione comporta. È questo il fantasma che aleggia anche sul graphic design, e che ha preoccupato vari curatori e studiosi che hanno affrontato il tema negli ultimi anni. Così per esempio Peter Bil’ak, introducendo il catalogo della mostra da lui curata nel 2006 Graphic Design in the White Cube, notava che: «Presenting design in an exhibition space in this way is akin to looking at a collection of stuffed birds in order to study how they fly and sing» (si veda il testo online ospitato da typotheque).
Non diversamente, recensendo una mostra presso l’Art Institute of Chicago nel 2008, Alice Twemlow ha descritto con una immagine vivida l’imbarazzante goffaggine del design nel museo: «Stripped of its functional qualities – its immediacy and expendability – graphic design in the museum tends to look awkward, like a market-stall crier taking tea in a hushed parlor» (si veda su designobserver).
Eppure il museo e la galleria sono una importante risorsa e opportunità per il graphic design. Non tanto, o non solo, perché, come tradizionalmente avviene per i mondi dell’arte, essi possono essere anche per un certo design e per certi designer il luogo del riconoscimento e della consacrazione. Ma piuttosto perché, a guardar bene, lo spazio espositivo è un contesto e un medium complesso nel quale strumenti diversi – parole, immagini, oggetti – possono essere usati per discutere, raccontare, interpretare, e anche produrre il graphic design; per sviluppare percorsi e discorsi; in definitiva, per comunicare il design attraverso il design.
Da questo punto di vista, naturalmente, portare il graphic design in mostra non significa trasferire oggetti e progetti nel contesto museale e attendersi che qualcosa avvenga semplicemente come conseguenza di questo gesto. Nel caso di Graphic Design Worlds, la scelta di realizzare una mostra “sul” graphic design, piuttosto che “di” grafica, significa guardare allo spazio museale come a una opportunità e una sfida per esplorare diverse modalità di analisi, di racconto, di traduzione e di produzione, con l’obiettivo – e la speranza – di offrire a un pubblico ampio diverse chiavi di accesso ai mondi del graphic design, alla loro ricchezza e varietà, ai loro intrecci e alle loro molteplici articolazioni.
When one considers that visual communication exists precisely to be out there, on display, to communicate and to shape our daily life, then the idea of putting graphic design on display – in a museum or in a gallery – may be seen as paradoxical. All the more so, if one considers that graphic design and graphics are already present in the environment of institutions like museums and galleries – from corporate identity to signage, from brochures to catalogs in the bookshop, etc. So why exhibit graphic design as an object/subject in such a context?
In general, to exhibit an object or a product outside of the context for which it was conceived, is considered problematic, because of the de-contextualization dilemma, i.e. loss or diversion of meaning. This is true for graphic design as well, and many curators and scholars have addressed this issue in recent years.
For example, introducing the exhibition catalog he edited in 2006, Graphic Design in the White Cube, Peter Bil’ak wrote that: «Presenting design in an exhibition space in this way is akin to looking at a collection of stuffed birds in order to study how they fly and sing» (si veda il testo online ospitato da typotheque). Similarly, reviewing an exhibition at the Art Institute of Chicago in 2008, Alice Twemlow has offered a vivid image of the awkwardness to which graphic design may be exposed when it is exhibited in the museum context: «Stripped of its functional qualities – its immediacy and expendability – graphic design in the museum tends to look awkward, like a market-stall crier taking tea in a hushed parlor» (si veda su designobserver).
Still, the museum and the gallery offer important resources and opportunities for graphic design. Not much, or not only because, as traditionally is the case in the art worlds, they may be the place for design and designers to gain recognition. Rather, because the exhibition space is a complex environment and a medium in which various tools – words, pictures, objects – can be used to discuss, to interpret, to narrate, and also to produce graphic design; to develop trails and discourses; ultimately, to communicate design through design.
From this point of view, then, to bring graphic design on display is not about removing objects and projects from their context to the museum context, and expecting something to happen simply as a result of this act. In the case of Graphic Design Worlds, the decision to build an exhibition “about” graphic design, rather than “of” graphics, implies looking at the museum context as an opportunity and a challenge to explore different methods and media to analyse, narrate, translate and display, with the aim – and in the hope – that we can offer the public a range of access paths to the worlds of graphic design, to their richness and their variety.
